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Hoy se celebra el Día de la Hispanidad y queremos traerte a otro fotógrafo español que debes conocer sí o sí: Ramón Masats. 

Ramón Masats, un artista que ha dedicado su vida entera a capturar la esencia de nuestro país y sus gentes a través de imágenes en blanco y negro de una belleza sin igual.

Prepárate para adentrarte en la mente de este maestro de la lente y descubrir los secretos que esconden sus fotografías. En este post vas a poder ver de primera mano cómo Masats lograba conectar con cada persona que retrataba, desde políticos a toreros, y transmitir toda la verdad de ese momento.

Vas a viajar en el tiempo gracias a su obra, que abarca desde los años 40 hasta la actualidad. Te vas a encontrar con los cambios políticos y sociales de España reflejados a través de los ojos de este artista.

Y lo más importante, vas a poder disfrutar de la intimidad de Masats, conocer detalles de su vida y entender qué le llevó a dedicarse en cuerpo y alma a la fotografía.

Ramón Masats: el maestro de la fotografía española

Ramón Masats es considerado el maestro de la fotografía española. Nacido en 1931 en Barcelona, Masats comenzó a tomar fotografías a los 14 años y nunca dejó de hacer clic. A los 17 años, abrió su primer estudio fotográfico, iniciando una prolífica carrera que abarca siete décadas.

Masats es famoso por sus retratos íntimos y evocadores. Capturaba la esencia de sus sujetos -personalidades como Dalí, Miró y Picasso- en imágenes en blanco y negro simples pero poderosas. Sus fotos de la vida cotidiana en España después de la guerra civil, con su enfoque poético y humanista, han sido aclamadas internacionalmente.

A lo largo de su carrera, Masats adoptó un enfoque fotográfico basado en la observación. Captaba momentos espontáneos y gestos casuales, revelando la belleza en lo ordinario. Sus obras maestras en blanco y negro evocan una profunda nostalgia por el paso del tiempo.

Masats recibió numerosos premios, incluido el Premio Nacional de Fotografía en 1999. Sus obras se exhiben en museos de todo el mundo, desde Nueva York hasta Tokio.

Aunque falleció en 2020, su legado como uno de los fotógrafos españoles más importantes del siglo XX perdurará para siempre. Las fotografías de Masats son un tesoro de la cultura visual española y nos brindan una mirada íntima a la vida en España durante más de medio siglo.

La trayectoria artística de Ramón Masats

Si te interesa la fotografía, seguramente has oído hablar de Ramón Masats. Este pionero español de la fotografía ha dedicado su vida a capturar la esencia de los momentos. Sus inicios en la década de 1950 le llevaron a experimentar con el surrealismo y el expresionismo, pero pronto encontró su propia voz a través de un estilo más íntimo y minimalista.

Sus primeros trabajos

Cuando Masats comenzó su carrera, España estaba sumida en la posguerra. Sus primeras fotos reflejan la dura realidad de la época con imágenes crudas y descarnadas. Poco a poco, su estilo fue evolucionando hacia un enfoque más poético. En sus retratos de gitanos y transeúntes captura la dignidad de sus sujetos con una sencillez y humanidad conmovedoras.

Una búsqueda de la esencia

A mediados de los 60, Masats se alejó del fotoperiodismo para centrarse en proyectos más personales. Buscaba capturar la poesía de los momentos cotidianos y la belleza en lo aparentemente insignificante. Sus series sobre objetos olvidados, escenas callejeras y paisajes desolados son un ejemplo de su estilo depurado y evocador. Cada foto es como un haiku visual que nos invita a detenernos y contemplar.

Un legado para la posteridad

A sus 90 años, Masats sigue siendo un referente de la fotografía contemporánea en España. Su extenso archivo, que abarca más de medio siglo de historia, es un tesoro de incalculable valor. Sus imágenes sencillas pero profundas nos recuerdan que la verdadera belleza se esconde en los detalles de cada día. Sin duda, es un legado que perdurará para siempre.

Conoce a los mejores fotógrafos españoles en nuestro blog

Y así cerramos el capítulo dedicado a la vida y obra de Ramón Masats, uno de los fotógrafos más importantes de España. A través de su lente has podido ver la evolución de la sociedad española en las últimas décadas.

Masats capturó como nadie los cambios políticos y culturales que definieron al país tras la Guerra Civil. Su obra es un tesoro que permite comprender la compleja identidad de los españoles.

Te has sumergido en la intimidad del artista y has conocido su pasión por el arte y su compromiso con el testimonio visual de la realidad.

Esperamos que este recorrido por la trayectoria de Masats te haya dejado una nueva perspectiva sobre la fotografía y un profundo respeto por quienes, como Ramón Masats, dedican su vida a capturar la esencia humana a través de una imagen.

Si te ha resultado interesante la obra de este fotógrafo, echa un vistazo aquí para descubrir más.

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¿Te interesan las fotografías que capturan la esencia de una cultura? Entonces debes conocer a Cristina García Rodero, una de las fotógrafas españolas más importantes de nuestro tiempo. A lo largo de cuatro décadas, Cristina ha recorrido España de punta a punta, en un intento de capturar la belleza, la pasión y la diversidad de su gente. Sus fotografías en blanco y negro te transportan a un mundo de tradiciones antiguas, fiestas coloridas y paisajes de ensueño.

A través de su objetivo, Cristina nos ofrece una mirada íntima a la España más auténtica. Sus retratos de gitanos, procesiones religiosas y danzantes transmiten una energía y un misterio que te dejarán sin aliento. Si te apasiona descubrir la esencia de la cultura española a través de imágenes evocadoras, sumérgete en el mundo de esta fotógrafa.

Cristina García Rodero: todo sobre la gran fotógrafa española

Cristina García Rodero nació en 1949 en Puertollano, Ciudad Real. Desde muy joven demostró su pasión por la fotografía, que estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid.

En sus inicios, Cristina se centró en el retrato y el reportaje. En la década de los 70 viajó por toda España para captar imágenes de las tradiciones y fiestas populares de nuestro país. Durante años recorrió los pueblos de la geografía española para fotografiar los rituales, bailes y disfraces que forman parte de nuestro acervo cultural.

En 1980, Cristina se unió a la agencia VU. Desde entonces, ha expuesto sus obras en todo el mundo y ha publicado más de una veintena de libros. Algunas de sus series más conocidas son ‘España oculta’ y ‘Rostros del mundo’.

Cristina García Rodero es una de las fotógrafas españolas más internacionales. Su estilo es absolutamente personal e inconfundible. A través de sus imágenes en blanco y negro, cargadas de dramatismo y fuerza visual, nos muestra una realidad apasionante y a veces turbadora. Una realidad que invita al espectador a reflexionar sobre temas universales como la vida, la muerte, el paso del tiempo o la condición humana.

Sin duda, Cristina García Rodero es un referente imprescindible de la fotografía contemporánea que ha sabido captar el alma de los pueblos de España. Su mirada apasionada sobre la realidad nos sigue cautivando y emocionando.

Temática y estilo de Cristina García Rodero

La temática: Rituales, tradiciones y culturas de España

García Rodero se ha dedicado a retratar las tradiciones, ritos y culturas de las distintas regiones de España. Sus fotografías muestran desde las mascaradas de Almadén de la Plata hasta los carnavales de Huelva, pasando por las danzas tradicionales de Cataluña y las romerías gallegas.

Un estilo fotográfico apasionado

El estilo de García Rodero es intuitivo, espontáneo y apasionado. Sus imágenes transmiten emoción y sentimiento. La fotógrafa se sumerge en los eventos y ritos que retrata, captando los detalles, texturas, miradas y gestos que revelan el alma de las tradiciones.

García Rodero ha dedicado más de 30 años a retratar los rincones más ocultos de la cultura popular española con una mirada cercana, íntima y apasionada. Su obra es un valioso testimonio etnográfico y antropológico de unas tradiciones que poco a poco se van perdiendo en el tiempo. Sin duda, es una de las fotógrafas españolas más importantes de las últimas décadas.

Los principales proyectos fotográficos de  Cristina García Rodero

Como fotógrafa documental, Cristina García Rodero se ha dedicado a capturar imágenes de la vida cotidiana y las tradiciones de España. Sus proyectos más emblemáticos incluyen:

España Oculta

Uno de sus trabajos más famosos, España Oculta explora los rituales y festividades poco conocidos de España. Durante más de 20 años, García Rodero capturó imágenes de celebraciones como los Carnavales, la Semana Santa y romerías. Sus fotografías muestran el lado más visceral de estas fiestas, con close-ups de caras pintadas, disfraces extravagantes y actos de devoción. La colección de fotografías se publicó en un libro aclamado por la crítica en 1989.

Transexuales

En este polémico proyecto, García Rodero documentó la vida de los transexuales que trabajaban en el barrio rojo de Madrid en la década de 1980. Sus imágenes íntimas y sin adornos de mujeres transgénero desafiaron las normas sociales de la época. La serie ahora se considera un hito en la representación visual de la comunidad transgénero en España.

Tauromaquia

Como amante de la tauromaquia, García Rodero ha fotografiado muchos aspectos de la cultura taurina española. Desde los toros y toreros en la plaza hasta los espectadores en las gradas, sus fotografías capturan la pasión, pompa y circunstancia de este deporte tradicional.

A lo largo de su destacada carrera, las obras de García Rodero se han exhibido en museos de todo el mundo, incluido el Museo Reina Sofía en Madrid y el Museo Guggenheim en Nueva York. Su enfoque artístico y antropológico de la fotografía documental la ha establecido como una de las fotógrafas contemporáneas más importantes de España.

Una fotógrafa única

Cristina García Rodero te ha dado una mirada apasionada e íntima a la realidad española a través de su lente. A lo largo de su prolífica carrera, ha capturado la esencia de la vida cotidiana en España, retratando tanto la alegría como la tristeza de sus compatriotas. Sus fotografías te hacen sentir como si estuvieras allí, compartiendo un momento de conexión con sus sujetos.

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¿Conoces a Mario Testino? Te encuentras hojeando una revista de moda y te topas con una sesión de fotos impactante. Las modelos parecen cobrar vida a través de la lente, la ropa de diseñador se ve irresistible y los escenarios exóticos te transportan a otro mundo. Detrás de esas imágenes cautivadoras que definieron la era dorada de las supermodelos se encuentra él: el fotógrafo de moda más influyente de nuestro tiempo.

En este artículo te llevaremos a un recorrido por la vida, obra e inspiraciones detrás de la cámara del artista que revolucionó la fotografía de moda. ¿Listo para conocer al hombre que convirtió a Kate Moss y Gisele Bündchen en íconos fashion? Sumérgete en el fascinante universo de Mario Testino.

La infancia y juventud de Mario Testino: cómo nació su pasión por la fotografía

Mario creció en una familia acomodada en Lima, Perú. Desde niño, demostró gran interés por el arte y la moda. Le encantaba observar a su madre y hermanas arreglarse para salir. Aquí descubrió su fascinación por la belleza y el estilo.

A los 15 años, Mario recibió su primera cámara como regalo de su padre. Inmediatamente, comenzó a fotografiar a sus amigos y familiares. Capturaba su esencia y personalidad de una manera fresca y espontánea. Sus talentos innatos como fotógrafo ya eran evidentes.

En 1976, Mario se mudó a Londres para estudiar Economía. Pero pronto abandonó la carrera para dedicarse por completo a la fotografía. Comenzó trabajando como asistente para fotógrafos de moda hasta que finalmente abrió su propio estudio en 1981.

Sus primeros trabajos fueron para revistas de moda como Vogue y Vanity Fair. Poco a poco, fue ganando fama por su estilo glamoroso y vibrante.

El resto es historia. Las revistas de moda más prestigiosas del mundo comenzaron a publicar el trabajo de Mario. Su estilo glamoroso y sensual revolucionó la fotografía de moda. Hoy en día, Mario Testino es considerado uno de los fotógrafos de moda más influyentes de todos los tiempos. Y todo se remonta a aquel regalo de su padre que despertó su pasión por capturar la belleza a través de su lente.

El estilo de fotografía de moda de Mario Testino

Mario Testino es conocido por su estilo inconfundible y vibrante que ha revolucionado la fotografía de moda. Sus obras más famosas incluyen:

Campañas para Vogue

Testino ha trabajado extensamente con Vogue, fotografiando más de 100 portadas de Vogue en todo el mundo. Algunas de sus campañas más memorables fueron para Vogue UK, donde capturó a las supermodelos Kate Moss y Gisele Bündchen. Sus fotos divertidas y glamurosas ayudaron a revitalizar la publicación.

Fotografías de celebridades

Testino es conocido por sus retratos íntimos de celebridades. Ha fotografiado a estrellas como Madonna, Jennifer Lopez, Kate Winslet y Diana, la Princesa de Gales. Sus fotos muestran un lado más natural y relajado de estas figuras públicas. Por ejemplo, su serie de fotos de Diana en 1997, la muestran riéndose y relajada poco antes de su muerte. Estas fotos íntimas y espontáneas de celebridades se han convertido en una de las marcas registradas de Testino.

Campañas de moda de lujo

Testino ha trabajado con muchas casas de moda de lujo, como Gucci, Burberry, Versace y Michael Kors. Sus campañas vibrantes y glamurosas para estas marcas ayudaron a revitalizar sus imágenes y atraer a una nueva generación de compradores. Por ejemplo, su campaña de 1995 para Gucci con modelos como Kate Moss hizo que la marca fuera cool nuevamente.

El estilo fresco y espontáneo de Mario Testino, su habilidad para capturar momentos íntimos y su trabajo con celebridades ha revolucionado la fotografía de moda. Ha sabido darle un toque de diversión y glamour, atrayendo a nuevas audiencias y ayudando a posicionar a las marcas de lujo en la cultura popular. Sus obras seguirán influyendo en generaciones futuras de fotógrafos y amantes de la moda.

Emilio Simón, fotógrafo en Sevilla

¿Qué te ha parecido la obra de Mario Testino? Fue el fotógrafo peruano que revolucionó la forma en que vemos la moda y la cultura pop. Sus imágenes vibran, nos transportan a mundos glamorosos y nos hacen soñar con vidas que jamás podremos tener. A través del lente de su cámara, nos regala una mirada íntima a las celebridades más famosas del mundo y nos permite colarnos, aunque sea por un momento, en su círculo mágico

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¿Sabes quién es Adolfo Kaminsky? Este fotógrafo  judío de origen argentino acaba de fallecer esta semana. Fue de gran importancia para la resistencia francesa durante la II Guerra Mundial y estuvo especializado en la falsificación de documentos de identidad.

Hoy, desde Emilio Simón, queremos contarte un poco más sobre este fotógrafo y químico y la relevancia de su figura. ¡Quédate hasta el final para conocer más sobre su apasionante vida!

¿Quién es Adolfo Kaminsky?

Adolfo Kaminsky nació en Argentina, dentro de una familia judía de origen ruso. En 1932, se mudaron a París, donde su padre trabajaba como sastre y posteriormente a la ciudad de Vire (Calvados) en el año 1938 junto a su tío. Durante su juventud, Kaminsky trabajó en una tienda de teñidos, que lo que le despertó su interés por la química.

Por aquella época, compró un tratado de Mercellin Berthelot en un mercadillo, un químico e historiador francés que estudió la esterificación de los alcoholes, lo que le llevó al descubrimiento de los equilibrios químicos y aclaró la noción de velocidad de reacción.

Posteriormente, montó un laboratorio en casa y comenzó a trabajar a las órdenes de un químico, quien le enseñó nociones fundamentales sobre esta ciencia.

En 1940, a consecuencia de la invasión alemana de Francia, los nazis tomaron su casa en Vire y tuvo que mudarse con el periodista y presentador francés Michel Drucker. Su madre fue asesinada por los nazis en 1941 y un año más tarde, Kaminsky se unió a la resistencia francesa.

Adolfo Kaminsky, miembro de la resistencia francesa

Comenzó trabajando en un laboratorio subterráneo en parís donde falsificaba documentos de identidad para los judíos que estaban amenazados por el Partido Nazi. Fue “reclutado” cuando buscaba identificación falsa para su padre y dio con los judíos de la Sixième. Este grupo había encontrado problemas a la hora de borrar las manchas de tinta azul de los documentos y fue él quien les aconsejó utilizar ácido láctico para eliminarlos.

Tras esto, tomó el mando del laboratorio y consiguió inventar la conocida marca de agua. Consiguió avanzando hasta crear, gracias al fotograbado, documentos con apariencia totalmente real pero falsos en esencia. Se convirtió en el mayor falsificador del Norte de Francia y posteriormente comenzó a trabajar de manera individual.

“Manténganse despiertos el mayor tiempo posible. Luchen contra el sueño. Los cálculos son fáciles: en una hora, hago treinta documentos falsos. Si duermo una hora, treinta personas morirán”.

Tras la liberación de París en agosto de 1944, fue condecorado con la Médaille de la Resistance y fue reclutado por parte de la Armada Francesa para crear identidades falsas para los espías que buscaban detectar las ubicaciones de los campos de concentración.

Adolfo Kaminsky, fotógrafo

Aunque su labor social es fue la más reconocida, tras la II Guerra Mundial, dedicó también gran parte de su tiempo a la fotografía. Durante muchos años, su trabajo fue desconocido debido a sus movimientos puramente clandestinos, pero después de la Liberación, tomó miles de fotografías, donde mostraba la evolución de país a lo largo de los años con sencillez y amor por lo popular. Desde el mercadillo de Saint-Ouen hasta las luces de neón de Pigalle.

Emilio Simón, fotógrafo en Sevilla

¿Qué te ha parecido la vida de Adolfo Kaminsky? ¿Crees que en una situación similar habrías usado tus habilidades fotográficas como arma política y social?  Si te gusta fotografía y la historia, no puedes dejar de seguir nuestro blog, en el que contaremos más sobre técnicas de imagen, grandes fotógrafos, retrospectivas y todo sobre este maravilloso arte. 

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¿Sabes quién es Carlos Pérez Siquier? Este fotógrafo almeriense acaba de ser homenajeado por el Centro Andaluz de la Fotografía con una muestra  con 92 fotografías y objetos personales que ha cedido su familia en la fecha en la que cumpliría 92 años.

Hoy, desde Emilio Simón, queremos contarte un poco más sobre este fotógrafo y la relevancia de su obra. ¡Quédate hasta el final para conocer más sobre la obra de este artista andaluz!

¿Quién es Carlos Pérez Siquier?

Carlos Pérez Siquier nació el Almería el 14 de diciembre de 1930. Conoció la fotografía a su padre, quien era un gran aficionado y tenía un taller en la buhardilla de su casa.

A los 17 años, descubre la revista francesa “Cine-Photo Magazine”, muy comprometida con la realidad de la época y que será una de sus primeras influencias.

Posteriormente, se matricula en la Escuela de Arte de Almería, estudios que finaliza en 1950. Seis años después, en 1956 comenzaría con su serie más mítica, e “La Chanca” y de la mano de José María Artero funda AFAL; una revista y grupo que consiguió reunir a los jóvenes fotógrafos españoles más interesantes en innovadores del momento y que se considera uno de los movimientos más importantes de renovación en la  Historia de la Fotografía Española.

Es considerado por ello, uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica y fue reconocido con el Premio Nacional de Fotografía en 2003, la Medalla de Oro de Andalucía y posteriormente,  en 2018 le concedieron la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes. Además, fue académico supernumerario de la Real Academia de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias de Granada.

¿Qué hace especial la fotografía de Carlos Pérez Siquier?

Su serie, “La Chanca”, representa uno de los mayores ejemplos de autenticidad de su fotografía y tiene muchas similitudes con el neorrealismo italiano. Su obra se considera de gran pureza técnica y de concepto y fue el paso hacia el color lo que consiguió desmarcarlo de sus compañeros de generación hasta elevarlo a pionero a nivel internacional por series como “La Playa”.

También incluyó en su obra influencias de otros movimientos artísticos como el pop o la abstracción de la pintura y temáticas como la sociedad moderna de consumo.

El grupo AFAL

El Grupo fotográfico AFAL fue un colectivo de fotógrafos españoles que son considerados como los abanderados del movimiento de renovación fotográfica nacional a mitad del siglo XX. Actuaban fundamentalmente a través la revista AFAL, editada por la Agrupación fotográfica almeriense desde 1956.

Como hemos mencionado anteriormente, fue presidida por Jose María Artero García y Carlos Pérez Siquier fue secretario y quien dictaminó los objetivos de esta agrupación.

Buscaban fundamentalmente romper con la tradición pictorialista (predominante en la época) y dar lugar a nuevos planteamientos fotográficos que se inspiraban en lo que se estaba haciendo a nivel internacional.

Entre los fotógrafos participantes en la revista se encuentran Joan Colom, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Carlos Pérez Siquier, Alberto Schommer, Oriol Maspons, Ricard Terré, Julio Ubiña, Francesc Catalá Roca, Gerardo Vielba, Xavier Miserachs, Leopoldo Pomés, Ramón Bargués, Francisco Ontañón, etc.​

Aunque formaban un grupo muy heterogéneo, tenían en común la voluntad de realizar una fotografía novedosa, diferente a lo que llevaba años haciéndose en el seno de agrupaciones.

Fotógrafo en Sevilla

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Cristóbal Hara acaba de ser galardonado con el Premio Nacional de Fotografía.  Este galardón que otorga el Ministerio de Cultura está dotado con 30.000 euros y en palabras del organismo ha recaído en manos del fotógrafo madrileño por, “la influencia que su obra tiene en el imaginario fotográfico español, con una producción en la que resuena la pintura, la literatura y la cultura popular, donde se diluyen las fronteras que separan el documento de la ficción. Muchos fotógrafos actuales se reivindican herederos de su trabajo, el cual sigue renovando incansablemente”.

En este post, queremos contarte más sobre su obra y su relevancia artística.

¿Quién es Cristóbal Hara?

Cristóbal Hara, recientemente galardonado cocn el Premio Nacional de Fotografía por el Ministerio de Cultura, nació en Madrid en 1946.

Estudió Derecho y Dirección de Empresas entre las ciudades de Madrid, Hamburgo y Múnich pero no fue hasta 1969 cuando comenzó a dedicarse a la fotografía en Londres.

Su primera exposición, ‘Three Photographers’,  fue organizada por el Victoria & Albert Museum en 1974 y

Ha trabajado para agencias  como John Hillelson (Londres), Viva (París) o Cover (Madrid) y sus fotografías se han publicado en revistas como Aperture, Camera, Creative Camera o El Semanal.

Su obra se expone en colecciones en el  Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Art Institute of Chicago, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Victoria & Albert Museum de Londres.

Sus fotografías se han publicado en diferentes libros como ‘4 cosas de España’; ‘Vanitas, utrera y Murcia’, ‘PHotoBolsillo’ o ‘Contranatura’.

Relevancia artística de la obra fotográfica de Cristóbal Hara

Tras su paso por ciudades europeas, en los 80 vuelve a España, donde se suma a la corriente de la fotografía documental donde retrató a la España de la época, sobre todo centrándose en las tradiciones y fiestas rurales.

Aunque comenzó fotografiando en blanco y negro, a partir de 1985 se pasó al color inspirándose en su lenguaje en Cézanne, Ribera o Goya.

Buscaba en su obra representar la realidad como el que la mira desde fuera y la ve por primera vez. Según cuentan quienes han trabajado con él, siempre ha dedicado mucho tiempo a sus fotografías, pasando mucho tiempo en los pueblos y aldeas que ha recorrido para captar la idiosincrasia de la España profunda.

Según él, el fotógrafo “debe estar presente”.

«Los fotógrafos que más me gustan son los que trabajan desde dentro de su cultura. Mucho más que los que vienen y van a otro lado. Los que vienen de otro lado traen ya su idea de lo que van a fotografiar. Viviendo dentro de la cultura se puede profundizar mucho más. Son trabajaos que me dan mucha más información: una información más interesante.

El fotógrafo que va a una cultura exótica ya lleva consigo todas las respuestas sin querer. Es muy difícil ir a un sitio totalmente distinto y hacer un trabajo interesante. Es lo que pasaba por ejemplo con Cartier Bresson: fotografió por todo el mundo pero sus fotografías hechas en Asia son muy parecidas a las que hizo en Sudamérica porque en todos los sitios que iba era Henri Cartier Bressson».

Son muy reconocidas sus fotografías taurinas, que reflejan puro expresionismo pictórico, así como las de tradiciones religiosas que reflejan cierto tono irónico.

Si quieres echar un vistazo a su obra, en la página web del Museo Reina Sofía, podrás encontrar una cuidada selección.

Hace las veces de un anti fotoperiodista, más interesado en la anécdota del hecho que en el hecho en sí y con una cuidada preocupación por la composición de su lenguaje fotográfico que como hemos mencionado, se asemeja al arte pictórico.

 

¿Qué te ha parecido este post? ¿Te ha gustado la obra de Cristóbal Hara? ¿Entiendes la relevancia de su legado?  ¿Te gusta que te contemos más sobre grandes fotógrafos contemporáneos?

Y si buscas conseguir las mejores fotografías, en Emilio Simón te ayudaremos a conseguir las mejores capturas para transmitir tus objetivos.

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Es probable que no te suene su nombre, pero Ciro Pipoli se ha convertido en toda una sensación en Instagram. Pero, ¿quién es y por qué se ha hecho tan popular?

En este post de nuestro blog te contamos más sobre la historia de este fotógrafo napolitano que ha conseguido capturar en sus instantáneas en Instagram la idiosincrasia que se esconde en las callejuelas laberínticas de la ciudad del Vesubio.

¿Quién es Ciro Pipoli?

Ciro Pipoli nació en 1996 en Nápoles. Hijo de un tapicero y una ama de casa, se enamoró de la fotografía desde niño. Con 16 años descubrió Instagram, cuando aún se encontraba mucho contenido de fotografía y no sólo de “influencers y blogueros”. Pero se dio cuenta de que la mayoría de lo que reflejaban esas fotografías era sobre ciudades grandes como  Roma, Florencia o Milán y no del sur o de las ciudades más pequeñas y ello despertó su creatividad. Comenzó con el móvil y poco tiempo después consiguió una cámara con la que ha conseguido captar el costumbrismo napolitano.

4 millones de visualizaciones tiene una foto suya en la que el torso bronceado de un anciano con un tatuaje con el lema Tutto passa y un pequeño altar a Diego Armando Maradona de fondo.

«Nápoles representa la persona que soy. Soy Ciro porque he nacido en Nápoles. Esta es una ciudad compleja, pero si naces aquí la entiendes. Con la fotografía trato de hacer comprender a las personas como es Nápoles realmente».

Y eso es lo que busca hacer con sus capturas, representar la Nápoles que conoce, la de los Quartieri Spagnoli, el barrio que lo vio nacer y dentro del cual crece un auténtico ecosistema. ​Ropa tendida en las calles, trattorias, altares y gentes de todo tipo.

¿Qué hace especial la fotografía de Ciro Pipoli?

«Siempre he sentido la necesidad de contar la auténtica belleza de Nápoles, la que se esconde tras la superficie de las cosas y devolver lo que la ciudad me ha dado.  La fotografía es mi lenguaje para decirles a todos que Nápoles, además de ser una ciudad de contradicciones, es una tierra llena de lugares y personas por descubrir, de los cuales nosotros también muchas veces ignoramos o damos por sentada la existencia».

Este fotógrafo autodidacta, busca representar en sus fotografías la idiosincrasia de una ciudad en ocasiones olvidada por el turista habitual. Pues son, según él, esos lugares, en los que las condiciones de vida son más difíciles, donde las personas son” más sensibles y más humanas, hay más contacto entre ellas”.

Todo esto nace del profundo amor que siente por su ciudad y su obsesión es hacer entender a los demás cómo es la gente de Nápoles, cómo viven, como sienten.

Una muestra de la fotografía de Ciro Pipoli

Con su Nikon, recorre las callejuelas de su ciudad capturando instantáneas de las pequeñas estampas que encuentra, desde pescadores, a comerciantes, ancianos que juegan a las cartas o mujeres hablando por teléfono. Y son esas imágenes precisamente las que transmiten una multitud de sensaciones y emociones, desde el dolce far niente (o el placer de no hacer nada) típico del verano, hasta la ingenuidad de la infancia, el amor o los achaques de la vejez.

Ciro Pipoli, costumbrismo napolitano en Instagram 1

https://www.instagram.com/p/CW5kClPIIlO/

https://www.instagram.com/p/Cbhq23SI34k/

https://www.instagram.com/p/CSZDcIkoiWc/

 

Fotógrafo en Sevilla

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En esta ocasión, nos gustaría hacer nuestro pequeño homenaje al irreverente fotógrafo estadounidense William Klein, el cual falleció el pasado 10 de septiembre a la edad de 96 años. Uno de los fotógrafos más importantes de nuestro tiempo reciente, se le conocía como “ el fotógrafo callejero” debido a su inercia por retratar imágenes callejeras de distintos puntos del mundo. 

William Klein en la fotografía callejera

Definido por sus fotografías callejeras, es sin duda uno de los fotógrafos más conocido en el mundillo. A lo largo de su carrera, realizó diferentes trabajos, pasando por la fotografía, la pintura, incluso en el cine.

A través de este post de Emilio Simón nos gustaría repasar su trayectoria, así como sus fotografías más importantes a lo largo de su vida profesional.

Sus primeros pasos

William Klein, de familia judía y origen Húngaro, nació en Nueva York, concretamente en el año 1928. Su interés por el arte se manifiesta a edad muy temprana, concretamente por un arte desenfrenado, nutriéndose en el MoMa. Es a la edad de 18 años cuando ingresa en el ejército, llevando a cabo el servicio militar durante dos años como operador de radio en Francia y Alemania.

Es aquí donde empieza su recorrido por el mundo del arte, aunque sus primeros contactos serían con la pintura, enfocándose tiempo después en la fotografía, ya que termino por pensar que con la fotografía podía hablar de la vida, cosa que no podía hacer con la pintura.

Es en el año 1952 donde su fotografía comienza a tener visibilidad, pero no hasta el año 1966 que da el gran salto trabajando para la revista VOGUE AMERICA. Realizando sus mejores trabajos a través de ciudades como Roma, Moscú y Tokio.

Características de su fotografía callejera

Como bien hemos citado anteriormente, William Klein quería enfocar su trabajo en mostrar cosas de la vida cotidiana, cosas que sucedían en las calles y que no podían ser vistas en ningún otro sitio. 

Sin duda, no hay mejor lugar para la fotografía callejera que la ciudad de Nueva York, es por ello que aquí empieza a retratar la vida neoyorkina. 

Sus fotos se caracterizan por romper con las técnicas fotográficas establecidas en aquel momento. Se tratan de fotografías desenfocadas, imágenes en constante movimiento. Se centra mucho en el uso de la luz natural y perspectivas extremadamente cercanas.

Un repaso por las mejores obras de William Klein

GUN 1 (1955) 

Si queremos hacer un repaso por el trabajo de William Klein no nos podemos olvidar de sus icónica GUN.

Se trata de una fotografía en la que podemos observar a dos niños en un casi primer plano, apuntando con un arma directamente al objetivo de la cámara.

En dicha fotografía podemos observar el retrato sucio y natural de las calles de la época, así como el desprecio por las normas y la anarquía reinante.

Algunos han dicho de esta fotografía que se trata de una película neorrealista en un solo cuadro. Sin duda algo que nos cuenta mucho con muy poco.

Bendizione Papale in Piazza San Pietro

Fue tal la representación de la cotidianidad que William Klein expresó en sus obras, que el propio director Fedderico Fellini lo llamo para que trabajara con el. Y es que en la fotografía que estamos citando, podemos encontrar mucho del cine de Fellini.

Nos encontramos con una fotografía que perfectamente podría ser un fotograma de una película del director, con una representación del gentío de Roma, inmundo, pegajoso e inmortal. 

Club Allegro Fortissimo (1990)

Como última aportación, nos gustaría hablar de esta fotografía, la cual representa un grupo de mujeres de talla grande en un baño turco. Todas posando a la cámara reflejando la naturalidad del cuerpo humano sin ningún tipo de complejo. Algo revolucionario para la época sin duda.

Si te ha gustado este post sobre William Klein y quieres seguir disfrutando del mundo de la fotografía, no dudes en seguir leyendo nuestros post.

La colorista Marina Amaral, de sólo 28 años ha revolucionado el mundo del arte digital. Esta brasileña se dedica a colorear a través de la tecnología fotos históricas para devolverlas a la vida.

Y es que esta es una nueva tendencia donde se toman fotos en blanco y negro y se les agrega color meticulosamente, lo que las hace parecer fotografías actuales.

En este post de Emilio Simón te contamos un poco más sobre esta nueva moda y sobre la mejor colorista del mundo y además, te enseñaremos algunas de esas fotografías que seguro te dejarán gratamente sorprendido.

Colorear fotos históricas

Colorear fotos históricas en blanco y negro se ha convertido en una interesante tendencia artística donde muchos artistas, diseñadores y fotógrafos están dando rienda a su creatividad para devolver la vida a estas instantáneas. Según los matices de color, toman las fotos con diferentes objetivos.

Algunos argumentan que al seleccionar los colores cambian o reescriben la historia de una manera que no retrata la realidad, lo que genera una obra de carácter abstracto o surrealista.

Otros, mediante revolucionarias técnicas, colorean esas fotos del pasado para conseguir despertar un interés por la historia, además de ayudarnos a recordar ciertos momentos o personas. Con sólo dar notas de color, devolvemos los eventos a la vida y conseguimos obras totalmente nuevas de las que obtener nuevas reflexiones.

Marina Amaral, la mejor colorista del mundo

Marina Amaral es una brasileña de 28 años reconocida como la mejor colorista del mundo. Mientras estudiaba Relaciones Internacionales, comenzó a utilizar estas técnicas de manera autodidacta.

“El color tiene el poder de devolver la vida a los momentos más importantes”.

El proceso creativo de Amaral consiste en agregar color a las fotografías en blanco y negro usando Photoshop , siguiendo una cuidadosa investigación histórica para determinar los colores de cada objeto fotografiado. Amaral describe lo que hace como una “segunda perspectiva”, ya que las imágenes en color transmiten imágenes que no parecen demasiado alejadas del espectador contemporáneo.  Su proceso de colorear una foto puede tardar desde una hora hasta más de un mes en completarse.

Una de sus obras más reconocidas es el libro publicado junto con el historiador Dan Jones El color del tiempo: una nueva historia del mundo, 1850–1960, publicado en 2017. Donde hace una retrospectiva histórica retratando en color grandes momentos.

En 2018, Amaral coloreó veinte fotografías de archivo de los prisioneros del campo de concentración de Auschwitz , bajo el título del proyecto Rostros de Auschwitz. 

“Colorear fotografías en blanco y negro es un arte que requiere un profundo trabajo de investigación, análisis de cada objeto para que sea lo más realista posible, conocimiento histórico y suficiente respeto para valorar y conservar cada detalle de cada historia. Es un proceso complejo capaz de transportarnos a cualquier lugar”.

5 fotografías históricas en color que te encantarán

Retrato de Abraham Lincoln

marina amaral colorista lincoln

” Abraham Lincoln fue el decimosexto presidente de los Estados Unidos y es considerado uno de los más grandes héroes de Estados Unidos debido a su papel como salvador de la Unión y emancipador de los esclavos. Su ascenso desde sus humildes comienzos hasta alcanzar el cargo más alto del país es una historia notable.

Lincoln fue asesinado en un momento en que su país lo necesitaba para completar la gran tarea de reunificar la nación.”

Cocineros del 2º batallón australiano Ypres

marina amaral colorista cocineros

“Con el mayor volumen de suministros preparados lejos de las líneas del frente, y sin refrigeración, los alimentos frescos eran escasos, aunque una foto muestra a las tropas de Light Horse en una cocina descubierta con cuatro cadáveres de animales colgando de las vigas del techo. Los suministros más escasos significaron que los hombres se volvieron creativos. ”

Marie Curie

marina amaral marie curie

“Marie Curie se convirtió en la primera mujer en ganar un Premio Nobel y la primera persona, hombre o mujer, en ganar el premio dos veces. Con su esposo Pierre Curie, los esfuerzos de Marie llevaron al descubrimiento del polonio y el radio y, después de la muerte de Pierre, al mayor desarrollo de los rayos X. ”

Albert Einstein

albert einstein marina amaral

“Albert Einstein fue un matemático y físico alemán que desarrolló las teorías especial y general de la relatividad. En 1921, ganó el Premio Nobel de física por su explicación del efecto fotoeléctrico. En la década siguiente, emigró a los EE. UU. luego de ser atacado por el partido nazi alemán. Su trabajo también tuvo un gran impacto en el desarrollo de la energía atómica. ”

Desembarco en Omaha, 1944

Marina Amaral, la mejor colorista de fotos históricas 2

“Un LCVP (Landing Craft, Vehicle, Personnel) del USS Samuel Chase, tripulado por la Guardia Costera de EE. UU., desembarca tropas de la Compañía E, 16.° de Infantería, 1.° División de Infantería (la Big Red One) vadeando hacia la sección Fox Green de Omaha Beach (Calvados, Basse-Normandie, Francia) en la mañana del 6 de junio de 1944. Los soldados estadounidenses se encontraron con la 352.a División alemana recién formada al aterrizar. Durante el aterrizaje inicial, dos tercios de la Compañía E se convirtieron en bajas.”

Fotógrafo en Sevilla

Si lo que quieres es disfrutar de una fotografía profesional y obtener los resultados que estás buscando, en Emilio Simón te ofrecemos, una calidad sin precedentes y caracterizados por una profesionalidad que nos avala. 

Te invitamos a que contactes con nosotros y saques el máximo partido a todo aquello que quieras fotografiar, estamos seguro que no te arrepentirás.

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Un premio Pulitzer y  30 años de trayectoria. Emilio Morenatti es sin duda unos de los fotoperiodistas contemporáneos más destacados de los últimos años.

Acaba de recibir el Mingote 2022, el año pasado ganó el Pulitzer y tiene en su haber galardones como el Fotopress o el World Press Photo (en dos ocasiones).

© Miguel Ángel González (Diario de Jerez)

© Miguel Ángel González (Diario de Jerez)

En este post, te contaremos un poco más sobre la trayectoria de este fotógrafo que sin duda sabe capturar a la sociedad en sus más crudos momentos.

¿Quién es Emilio Morenatti?

Emilio Morenatti nació en Zaragoza en 1969 pero se crió en Jerez de la Frontera. Tiene una amplia experiencia como fotógrafo documental de desastres, guerras y situaciones de conflicto.

Siendo muy joven, comenzó a hacer fotos para un diario local y aunque comenzó a despuntar su trabajo durante la Expo del 92 en Sevilla, fue la crisis del islote Perejil lo que hizo que la agencia de noticias estadounidense The Associated Press (AP) se fijara en él.

Con ellos ha cubierto conflictos armados en Oriente Medio, Afganistán, Pakistán y el norte de África. Actualmente dirige el departamento de fotografía en España y Portugal de AP.

En 2006, fue secuestrado en la ciudad de Gaza y el 12 de agosto de 2009 sufrió un atentado mientras estaba en Kandahar, Afganistán, lo que llevó a que tuviese que amputársele un pie.

Emilio Morenatti: conflictos y guerras con Associated Press

El fotoperiodista Emilio Morenatti lleva más de 30 años trabajando como fotoperiodista. Desde hace años, lidera el departamento de fotografía de la península ibérica de The Associated Press.

En estos años, ha actuado como reportero gráfico capturando imágenes de zonas de conflicto como  Afganistán, Jerusalén, Gaza y Pakistán.

Podemos imaginar cómo su trabajo le ha cambiado radicalmente la vida a nivel emocional y mental, pero también ha tenido efectos físicos sobre él.  En agosto de 2009, al sur de Afganistán, viajaba junto con una patrulla militar estadounidense cuando el vehículo fue alcanzado por una bomba, lo que le causó la amputación del pie izquierdo.

“No tenía que haber estado en aquella expedición, había terminado ya mi trabajo, pero tuve la oportunidad de ir, y fui. Claro que me arrepiento, pero no puedo volver atrás. Ocurrió”. Sin duda un momento que cambiaría para siempre su forma de mirar y de plasmarlo en sus fotografías.

Anteriormente, ya había sido secuestrado durante 15 horas en la franja de Gaza en 2006.

Emilio Morenatti: ganador del Premio Pulitzer​

En 2021, Emilio Morenatti, se hizo con el galardón en la categoría de reportaje fotográfico por su serie de fotografías sobre cómo habían vivido las persones mayores la pandemia de la COVID-19.

El jurado destacó su “conmovedora serie” de fotografías que “acerca a los espectadores a la vida de los ancianos en España que luchan durante la pandemia”.

Durante meses estuvo alejado de su familia para evitar el riesgo de contagiarlos, pues se dedicó a documentar la cruda realidad de las víctimas del coronavirus en España.

Morenatti y la Guerra de Ucrania

En la mayoría de ciudades de Ucrania resuenan los estruendos de los bombardeos que apagan los quejidos y los llantos de quienes intentan sobrevivir a los ataques indiscriminados de la vecina Rusia.

Emilio Morenatti ha recorrido durante estos meses de conflicto los hospitales de ciudades como Kiyv, Lviv o Cherkasy para retratar la dura realidad a la que se enfrentan los civiles que aún permanecen en el país.

 

 

¿Qué te ha parecido este post? ¿Te gustaría seguir conociendo más sobre grandes fotógrafos contemporáneos?

Y si buscas conseguir las mejores fotografías, en Emilio Simón te ayudaremos a conseguir las mejores capturas para transmitir tus objetivos.

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